Lo que iba a ser un cuenta lo que fuimos y se quedó en un Yipi Kai Yei

Alexis Tioseco y Nika Bohinc.

Empezó a colaborar en diversas publicaciones cinematográficas y pronto a viajar a diferentes festivales internacionales que solicitaban su presencia. Fue gracias a uno de esos viajes que conoció a Nika Bohinc, una cinéfila tan sólo un año mayor que él y que dirigía la revista Ekran. Los que fueron testigos de su encuentro cuentan que fue un amor a primera vista, pero como escribe Alexis Tioseco en un hermoso texto titulado 'La carta que me gustaría leerte en persona', no fue el cine lo que los unió, o al menos no pudo ser sólo el cine, porque el amor a las películas era algo que compartían antes de conocerse.

'La carta que me gustaría leerte en persona' ha sido difundida por muchos lugares en Internet, y contiene un ejemplar manifiesto a favor de un cine mejor, en Filipinas y en el resto del mundo, pero sobre todo es un texto emocionante en el que Alexis Tioseco explica su amor por el cine a través de su amor por Nika Bohinc.

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La carta dice así:

Querida Nika:

Fui invitado a escribir una columna para esta edición de Rogue y me dieron como tema escribir sobre "mi mismo".

Siempre me ha incomodado escribir públicamente sobre cuestiones personales, así que he decidido usarte como excusa: hay cosas que tú debes saber, que puedes intuir, pero que no entenderás hasta que te las diga. Por eso aprovecharé esta oportunidad para ponerlas en el papel.

Además, ¿cómo puedo rechazar esta oferta cuando recién el otro día me dijiste que un ensayo en un número previo de esta revista jugó un rol central en el hecho de que nosotros estemos juntos? Uno tiene que pagar sus deudas.

Cuando nos conocimos en Rotterdam, el pasado enero, hubo algo de ti que me cautivó inmediatamente. No fue tu belleza, o mejor dicho, no sólo tu belleza. Fue tu forma de expresarte, que ahora, 16 meses más tarde, sigue demandando mucho de mí. Hay una preciada intensidad en tus gestos, en la manera en que tus ojos se mueven y tus manos se alzan para agarrar la palabra adecuada, lo que ilustra el fuerte deseo que tienes de comunicarte, en especial cuando la conversación se inclina hacia las cosas que te interesan: la integridad de tu trabajo, la importancia de la naturaleza, la preocupación por tu hermano. (Sé que estás pensando- ¡cállate! No soy un hablante nativo, pero esto no es un asunto de familiaridad con el lenguaje).

No llegamos al festival en las mejores condiciones: tú enferma y decepcionada por no haber cerrado el último número de Ekran antes de abandonar Eslovenia (hecho agravado porque perdiste el vuelo y multiplicado por un año de fatiga por pelear por la independencia editorial) y yo con la soledad de aprender a vivir por mi cuenta, e incapaz de superar la abrupta muerte de mi padre, siete meses antes (algo que, como sabes, aún intento hacer).

No estaba en un buen lugar los meses antes de que nos encontráramos, inquieto y apurado en mi interacción con los nuevos conocidos, pero en Rotterdam fue difícil resistirse a buscar un poco de claridad y paz cuando las personas frente a ti, acosadores y cansadores, se rehúsan a dejar que sus palabras se deslicen descuidadamente.

"Me opuse a ver El señor de los anillos con mis alumnos"

Yo sé que a veces piensas que fue el hecho de que trabajamos en lo mismo lo que me atrajo a ti, pero esto no puede estar más alejado de la verdad. ¿Por qué? Porque creo que una de las grandes satisfacciones que uno puede sentir es compartir las cosas que considera hermosas con alguien que de otra manera no se hubiese dado cuenta, y verlas apreciadas. Este es el principal motivo de por qué amo enseñar y también de por qué me opuse a mostrarle El señor de los anillos a mis alumnos (sin tomar en cuenta las fervientes insistencias de mi co-profesor). Es también la evidencia de que el cine no es lo que nos acerca, porque en esta materia, estamos en igualdad de condiciones, y por lo tanto debo buscar otras cosas en mí para compartir contigo. Todos los que me conocen saben lo difícil que eso es...

Pero Rogue quiere escuchar de cine. O por lo menos acerca de mi trabajo y qué he hecho en él. Por qué significa tanto para mí, y por qué he hecho las cosas que he hecho. Así es que debo escribir sobre cine. Puede que alguna de estas cosas ya las hayas escuchado, querida Nika, pero no te preocupes, si lo consigo, todo va a cuajar el final, y verás por qué se relaciona contigo, con nosotros y con el futuro.

Permíteme comenzar con una historia, una con la que puedes estar familiarizada.

En 1997, mi padre decidió que mi hermano Chris y yo, junto con mi madre, deberíamos regresar a Filipinas (mi padre, como sabes, había estado viajando de ida y vuelta entre Manila y Vancouver, nunca sintiéndose muy cómodo en Canadá. Recuérdame hacerte una copia del ensayo "Where's the patis?")

Nos mudamos a Canadá en 1983, dejando Filipinas justo unos meses antes de la muerte de Ninoy Aquino y también de mi segundo cumpleaños.

Como muchos adolescentes, yo estaba aún tratando de crecer en armonía con mi propia piel, o al menos intentándolo, y la idea de mudarme a otro país por los dos últimos años de colegio me petrificaba. Me resistía: por un lado, les protesté a mis padres que no quería relacionarme con un país que daba tanta importancia a las clases sociales y que era tan corrupto (aunque no me importaba ir de vacaciones...), y por otro lado, simplemente no quería lidiar con los círculos sociales escolares de un nuevo país. Estaba además completamente devastado por tener que dejar a la primera chica con la que bailé un "lento" en toda mi vida escolar –Melodie Pangan- que estoy seguro nunca pensó en mí como algo más que un amigo, pero a la que llamé dramáticamente desde el aeropuerto, llorando, diciéndole por primera vez que la amaba. Pero me estoy desviando del tema...

Mi padre nos sedujo a mí y a mi hermano con la promesa de tener aire condicionado y un chofer que nos llevaría donde quisiéramos, lo que hizo que la decisión fuese más fácil de tomar (más que nada por mi rebeldía de 16 años frente a la consciencia de clase). Ambas cosas fueron al final solamente ofertas sin fondo: cosas a las que estaba dispuesto, pero era incapaz de proveer.

Alexis Tioseco y el cineasta Lav Diaz (Foto: Wise Kwai)

Como sabes, somos cinco hijos en la familia, pero sólo Chris y yo, junto con mi madre, regresamos a Filipinas. La principal excusa de esto fue que éramos los más jóvenes, y ya que Chris se estaba preparando para entrar a la universidad, y yo estaba terminando mis últimos dos años de colegio, seríamos capaces de ajustarnos más fácilmente. Pero la otra razón es que éramos hombres y, como los hombres en Filipinas, él quería que nos hiciéramos cargo del negocio familiar, que ayudáramos a mantener lo que él había establecido o construido. Creo que él quería que mi mamá volviera porque Chris y yo lo haríamos. Habíamos crecido cerca de mamá en los años de Vancouver, ya que mi padre siempre estaba afuera, y él sabía que si ella aceptaba volver sería clave para poder traernos de regreso. Por el lado de mi madre, ella estaba establecida en Vancouver, y no se sentía cómoda teniendo sirvientes viviendo en la casa, acostumbrada a cocinar, limpiar y cuidarnos por su cuenta. Ella sólo lo siguió, porque él se lo pidió.

Pasaron dos años en Filipinas y mi madre se mudó a Vancouver. Había estado luchando en contra de la depresión debido a sus peleas, a su falta de control sobre la familia, y estaba decidida que volvería a Vancouver para una terapia. Yo no sabía si sería bueno, pero supuestamente sería sólo por dos meses. Pero ella recién volvió el 2006 para el funeral de mi padre.

Mi hermano Chris nunca se estableció en Filipinas. Una teoría que tenemos es que él no quería imbuirse en la cultura de manera más profunda que la de un turista de vacaciones por Makati, ya que la mayoría de sus mejores amigos eran extranjeros y no tomó clases de Tagalog (el idioma local), por lo que nunca aprendió bien el lenguaje. La otra posibilidad es que él no estaba acostumbrado a vivir bajo el ojo vigilante de mi padre. Se graduó de la universidad en el 2001 y en agosto se mudó a Vancouver.

¿Que quedó del sueño de mi padre de mantener a la familia unida en Filipinas y que uno de sus hijos se interesara por los negocios? Yo. Y sólo yo. Con menos gente viviendo en ella, la casa tenía más espacio, y yo ya no compartía mi pieza con nadie, pero me sentía cada vez más ahogado. Después de graduarme de mis estudios orientados a la administración de empresas, empecé a trabajar para mi padre. Duré desde junio hasta noviembre del 2004, antes de admitir que no podía hacerlo más. Te diría que renuncié. Mi padre contó a nuestros parientes que me despidió. Ninguna de las dos versiones de la historia importa realmente ahora.

De: Padre.
Fecha: 24.04.2006.
Hora: 05:19:51 pm.

Novio a Padre rico de novia: Quiero casarme con su hija.
Padre: ¿Trabajas?
Novio: Soy estudiante de teología.
Padre: ¿Puedes financiar un matrimonio?
Novio: Dios proveerá.

Rato Después…

Madre: ¿Cómo te fue, padre?
Padre: El tipo es pobre, y cree que yo soy Dios.

De: Padre.
Fecha: 24-04-2006.
Hora: 05:22:32 pm

Novio a padre rico de la novia: Quiero casarme con su hija.
Padre: ¿Trabajas?
Novio: Soy profesor universitario y crítico de cine.
Padre: ¿Puedes financiar un matrimonio?
Novio: Dios proveerá.
Padre: ¿Y qué tal una casa, fundar una familia y educar a los hijos?
Novio: Dios proveerá.

Rato Después…

Madre: ¿Cómo te fue, padre?
Padre: El tipo es pobre y cree que yo soy Dios.

Nunca quise ser crítico de cine. Hasta el día de hoy rechazo usar el término, pero he tenido que empezar a usarlo regularmente sólo porque me hace la vida más fácil.

Muchos realizadores, especialmente en Filipinas, tienen problemas con la palabra crítico. No tenemos cultura de polémicas sanas en el país, cada intento de resaltar defectos es tomado como un ataque personal. Son pocos los que son capaces de lidiar con ello correctamente. Un cineasta en particular objetó la idea de una publicación que yo iba a editar bajo el nombre Criticine: tenía problema con que se usara la palabra crítico. Una palabra sucia, supongo que debe haber pensado.

El primer impulso de todo buen critico de cine, y en esto creo que debes estar de acuerdo, debe ser el amor. Ser motivado lo suficiente como para querer compartir el afecto por una obra en particular o de narrar sus experiencias para que otros pueda sentir curiosidad. Es por esto que la crítica, la pedagogía, y la curatoría o programación, en un sentido ideal, deben ir de la mano.

La primera crítica que escribí sobre una película filipina fue de Batang West Side, de Lav Díaz. Sabía que me gustaban las películas, había pensado incluso en hacerlas en algún momento, y ciertamente me sentía orgulloso en ser visto por los míos como alguien cuya opinión valía la pena apreciar. Pero aparte de esto, y de la sorpresiva satisfacción de ver mi nombre impreso por primera vez, nunca tuve interés en escribir seriamente críticas de cine.

Batang West Side

No fue el hecho de escribir la crítica de Batang West Side (de la que estuve orgulloso en su minuto, pero que miro con cierta vergüenza por su simpleza hoy) lo que cambió las cosas para mí, sino más bien lo que ocurrió antes y después de escribirla: la absoluta falta de compromiso y de una escritura inteligente que aborde más que la duración del filme (Conrado de Quiros lo intentó, y quizás su actitud fue más importante que el texto en sí mismo). Batang West Side, como sabes, dura 5 horas, y si lees la mayoría de los artículos que menciono (no me atrevo a decir "cuestiono"), esto es casi todo lo que se dice sobre ella. Incluso Jessica Zafra, después de organizar una función de la película a través de su revista de corta duración Flip (y habiendo comisionado un artículo de Lav), publicó crudos chistes sobre el filme en la sección de cartas de esa edición.

Yo estaba en la universidad cuando el filme se estrenó, y en los cinco años que había vivido en Filipinas, lo más cercano que había estado de conectarme con la cultura mediante el cine fue a través de Abril, mayo, junio, una película sobre tres hermanas protagonizada por la entonces popular Alma Concepción, y tal vez a través de SPO1 Don Juan: Da dancing policeman, protagonizada por el gran Leo Martínez. No necesito decirlo, Batang West Side fue un despegue, no sólo en duración, sino que también en estética: su ritmo, la distancia de la cámara con el tema, la duración de las tomas, la construcción del discurso (igualmente sobre el pasado que sobre el presente), y especialmente en su actitud hacia la audiencia, su rechazo a ceder a nuestra inherente necesidad de un final redondo, forzándonos en cambio a sacar nuestras propias conclusiones.

No estaba preparado para Batang West Side. No había oído hablar de Lav Díaz y simplemente asistí a la función porque fue en el marco de Cinemanila, y no todos los días alguien hace una película de esa duración. Yo estaba curioso. La película me atrapó. Especialmente porque fue el primer film que me hizo concretamente pensar en lo que significa ser filipino, sobre los peligros de la migración. Riesgos que –lo pienso por primera vez al tipear esto- mi padre probablemente entendió mejor que nadie. Es una lástima que nunca llegase a ver la película.

A un año del estreno de Batang West Side, varios meses después de haber escrito el artículo, todavía había muy pocos textos sobre el filme. Contacté a Lav y le pregunté si podía entrevistarlo, a lo que él respondió graciosamente. La entrevista duró casi una hora, y le hice todas las preguntas que hubiese esperado de los demás.

Contento con el resultado, que ocupó 12 páginas y fue publicado en la página Indiefilipino.com (que amé tanto, descanse en paz), usé todo el crédito de mi modesto celular de prepago para enviarle mensajes a todos los que estaban interesados en el cine. Casi nadie respondió, por supuesto, pero hubo notas de aprecio en los foros de la página, y me hizo sentir cálido y confundido por dentro.

Había gente que estaba interesada en leer escritura seria sobre cine serio, sólo tenía que ser publicada en un lugar accesible.

Entre más películas veía, en especial películas independientes locales, más quería seguir viendo. Entre más me metía, sentía una mayor responsabilidad, más ganas de hacer algo, compartir lo que me parecía hermoso.

"¿Por qué escribir sobre Juno cuando no he leído nada incisivo sobre la animación de Roxlee?"

Al escribir en inglés, nunca sentí la necesidad de escribir sobre películas extranjeras (no-filipinas), pese a que siempre he sido invitado a hacerlo y principalmente sobre éxitos de Hollywood. Mientras más amo el cine en general, una pasión que ha crecido exponencialmente durante los años, no siento necesidad de ponerme al servicio de lo que no necesita ayuda. El sentimiento ha sido siempre el mismo: ¿Por qué escribir sobre Juno cuando no he leído nada realmente incisivo sobre la gran animación de Roxlee? ¿Para qué escribir sobre Sin lugar para los débiles si existen las encantadoras películas de Antoinette Jadaone esperando ser descubiertas por los lectores? Lo mismo pasó cuando comenté películas semanalmente para The Breakfast Show en Studio 23. Los términos informales del acuerdo era que podía comentar todo lo que quisiera, local o internacional, viejo o nuevo, corto o largo, mientras hubiese imágenes para mostrar. No marcó tendencias de ninguna manera –era un solo segmento en un show para espectadores con trastorno de déficit atencional- pero creo que significó algo para alguna gente: Kris Villarino, el cineasta de Cebu que hizo el corto Binaliw, el grupo de jóvenes emergentes de Davao que comenzaban una serie de talleres de cine que ha crecido con el tiempo; o el caótico arreglo para un capítulo entero sobre cine independiente (antes de que el término se usara) en la Navidad del 2005 que acogió a Raya Martin, Khavn De La Cruz, Mes De Guzman, Roxlee, Lav Diaz, Pam Miras, y a un tímido John Torres hablando acerca de sus cortos en público por primera vez.

Una cosa ha llevado progresivamente a la otra. Y lo que empezó como una simple curiosidad alcanzada con sinceridad, ha derivado en un compromiso.

El cine filipino me ha dado mucho y uno debe pagar las deudas.

Nunca esperé tener la oportunidad de viajar por el cine, especialmente no a costa de los demás pero, lentamente, las oportunidades se han presentado. Viajar es un privilegio, y no uno que me tome ligeramente. En junio del 2004, como un graduado universitario, fui a una conferencia en Singapur. Unos meses después, en base a mis escritos, fui seleccionado para participar en un encuentro entre jóvenes críticos de Europa y Asia. Unos meses después me encontré en Berlín como parte de la prensa de la Berlinale (aunque esto fue sólo parcialmente subsidiado, y fue un préstamo de último minuto de mi hermano en Canadá lo que me permitió ir). Una serie de viajes se han dado, hacia todas partes, desde Singapur hacia Hawai, desde Nueva Dehli hasta París, Rotterdam, Oberhausen y, por supuesto, la preciosa Eslovenia, sirviendo de jurado y dando charlas. Todo el tiempo he mantenido la misma posición: que es importante para la gente escribir sobre sus propios cines y no permitir que otros dicten lo que debe ser importante.

Pero estos pasajes, estos viajes, son caros. Los hoteles son caros. El tiempo es caro. La contaminación causada por los aviones en el cielo, nos pasará la cuenta a la larga. Cuando pones todas estas cosas juntas, se iguala a una inversión: una seria inversión hecha sobre un individuo. ¿Sueno como que me lo estoy tomando muy en serio? Permíteme ponerlo de otra manera: sin la inversión cultural hecha sobre mí, por el trabajo que debo o puedo hacer respecto del cine filipino, nunca te hubiese conocido. Hay mucho que devolver.

No me gusta escribir sobre el Metro Manila Film Festival. No me gustó la primera vez que lo hice en el 2003, ni la segunda ni la tercera vez. Tampoco me gustó cuando, con la ayuda de Erwin Romulo, hicimos una carta exigiendo reformas en el festival con el apoyo de cineastas establecidos (las firmas incluían, entre otros, a Eddie Garcia, Peque Gallaga, Jose Javie Reyes, Erik Matti). No es divertido haber sido definido como un periodista en busca de una "cita" por un cineasta llamado Laurice. No me gustó, pero lo hice porque una parte de mí sinceramente creía que se podían hacer cosas. Una creencia que, por algunos momentos, fue infecciosa, incluso para los que sabiendo que en el fondo nada saldría de todo esto, igual decidieron formar parte. Un amigo en cuyo sofá dormí durante gran parte de esa semana me envió un texto tiempo después, un mensaje que ahora, tres años más tarde, sigue guardado en mi celular:

Hay una línea en Aguila en la que a un secesionista moro le informan que su causa está perdida. Él responde que ganar no importa, sino que hacer lo que uno cree que es correcto. Esa es sabiduría para ti.

Mi querida Nika,

Si ha habido una sola causa de tensión en nuestra relación es debido a esto: la idea de mi compromiso con Filipinas, el fuerte deseo que tengo de vivir y trabajar aquí, y la forma en que, tal vez, tú veas esto como un asunto de prioridades oportunistas. ¿Significa un lugar más que una persona? ¿Significa mi trabajo en Filipinas más que la posibilidad de una vida junto a ti, en algún lugar, cualquier otro? ¿Deberías tú moverte, hacer el sacrificio de mudarte? Y qué dice eso de nosotros, ¿que la escala de nuestro amor pesa más que tu cáliz?

Yo se que has aceptado la idea de mudarte aquí, ojala que el próximo año. Discutimos, pero aún siento la necesidad de hablar un poco más sobre mis razones de por qué quiero que te quedes, al menos por ahora. No pretendo comparar mi afecto por Manila con el tuyo por Eslovenia, sólo explicarte los pensamientos que circulan por mi cabeza, las cosas que siento que debo hacer, cosas que, tal vez, podamos hacer juntos.

Tuyo,
Alexis

ADDENDUM:

-Me gustaría que el Consejo de Desarrollo Cinematográfico de Filipinas entendiera el valor del dinero que administran y considerara gastar sólo cinco de sus 25 millones para ir a París e invertir el resto en festivales jóvenes, y no sólo salir de vacaciones.

-Espero que se apoye a los directores con trabajos ya terminados para que vayan a festivales por el orgullo que esto genera para el país. Pero deseo también se les dé apoyo para que sus películas puedan ser vistas en Filipinas por mayores audiencias.

-Lloro por la pérdida de las películas de Juan Tamad dirigidas por Manuel Conde.

-Lloro por un país que no es capaz de convencer al filipino-americano que posee la única copia de Genghis Kahn, de Conde, en su idioma original, de devolverla o venderla a su país de origen.

-Lloro por las generaciones de filipinos, yo incluido, que no podrá ver Daigdig ng Mga Api, de Gerry De Leon, y en cambio tiene panorámicas de avisos de películas que apreciar por Internet.

-Lamento que los herederos de las copias de Tatlong Taong Walang Diyos de Mario O’Hara y Oro, Plata, Mata de Peque Gallaga, hayan sido tan indiferentes que permitieran que éstas se volvieran sepias.

-Lloro por la apatía de la Unión y la Universidad de Filipinas que conspiraron para que los negativos matrices de tesoros producidos por Bancom se pudrieran en piezas en las que sólo ponen aire condicionado medio día, y dejen las latas abandonadas por años y años.

-Rezo para que un senador o congresista dé el valiente paso de promulgar un decreto para establecer un Archivo de Películas y Sonido Nacional.

-Rezo para que el gobierno de la ciudad, o incluso conglomerados y dueños de teatros, resten 50 centavos o un peso de los tickets en beneficio de la preservación de nuestra herencia audiovisual. Antes ya ha habido altos impuestos sobre los tickets de cine. ¡Llorando fuerte, esto debiera ser fácil!

-Espero que Cinemalaya, que gracias al apoyo de los medios y el gobierno tiene tanto entusiasmo, ponga sus esfuerzos al servicio del cine filipino y no siga intentando empezar una micro-industria.

-Deseo que los cineastas dejen de escuchar a Robbie Tan.

-Deseo que Cinema One, que usualmente produce mejores películas que Cinemalaya, le dé a los realizadores derechos por sus trabajos en vez de estafarlos.

-Deseo que Lav Díaz tenga más presupuesto para elaborar y filmar sus películas.

-Deseo que Raymond Rev haga Makapili y regrese a hacer cortos fantásticos de forma experimental.

-Deseo que Mike De León haga otra película… por favor… la necesitamos.

-Deseo que Roxlee obtenga dinero suficiente para tener tiempo y realizar un largometraje animado.

-Deseo que todos compren una copia de El cine de Manuel Conde, de Nicanor Tiongson y Cesar Hernando.

-Deseo que hayan más libros sobre cine filipino.

-Deseo que se publique una serie de guiones clásicos.

-Desearía que Cinefilipino hubiera distribuido los filmes de Brocka con mayor cuidado y afecto, entregando escrituras sobre el filme o algunos extras, y no los lanzara simplemente para obtener ganancias.

-Desearía que Cinefilipino hubiera estrenado Maalaala Mo Kaya con los carretes en el orden apropiado.

-Deseo que Nestor Torre abra los ojos.

-Deseo que reediten los libros sobre cine filipino de los 70’s y 80’s de la Asociación de Críticos de Cine Manunuri.

-Deseo que los críticos de Manunuri se preocupen realmente del cine hoy en día.

-Deseo que los críticos de Mannunuri comenten películas en vez de solamente entregar premios.

-Desearía que el círculo de críticos jóvenes fuera realmente joven.

-Desearía que los críticos jóvenes fueran realmente críticos

-Deseo que Francis "Oggs" Cruz, Richard Bolisay, y Dodo Dayao consigan un espacio en los periódicos, porque ellos son mucho más interesantes que cualquiera de los que están escribiendo con regularidad allí hoy.

-Deseo que Noel Vera regrese.

-Me gustaría que Hammy Sotto estuviera vivo todavía.

-Me gustaría que los manuscritos de Hammy Sotto fueran publicados.

-Me gustaría que Jo Atienza estuviera todavía en Manila.

-Me gustaría que tuviéramos un Museo del Cine con financiamiento y apoyo total.

-Me gustaría que tuviéramos una Cinemateca.

-Me gustaría que UP Film Center tuviera mejores asientos y mostrara mejores películas.

-Me gustaría que más no-directores de Filipinas pudieran ir a festivales.

-Me gustaría que el Cine fuera un ramo que se enseñara en los colegios.

-Me gustaría que Teddy Co obtuviera el reconocimiento que se merece por su trabajo desinteresado.

-Me gustaría que Teddy Co pudiese escribir más. Sus ideas merecen ser recopiladas.

-Deseo que las cooperativas, cooperen.

-Me gustaría que Khavn De La Cruz pueda hacer su musical EDSA XXX.

-Me gustaría que la producción de Max Santiago pueda realizarse y que sus cortos puedan finalmente llegar a mis manos en DVD (¡Hola, Marla!)

-Deseo que Tad Ermitaño nunca pare de escribir y tocar desde su cueva.

-Deseo que Lourd De Veyra siga escribiendo sobre actores y cine.

-Le deseo éxito a la productora UFO de Raymond Lee.

-Me gustaría que hubiese más películas de regiones y más apoyo para sus directores.

-Me gustaría que todos y cada uno de nosotros pudiesen ver When Timawa Meets Delgado.

-Me gustaría que alguien pudiese bajar los precios que la Movie and Television Review and Classification Board exige para la proyecciones, especialmente para festivales.

-Me gustaría que alguien, cualquiera, pudiera hacer una buena, inteligente y provocadora película sobre la clase alta de Filipinas.

-Me gustaría que a Ketchup Eusebio le dieran más roles principales.

-Me gustaría que Elijah Castillo pueda hacer más películas, pronto.

-Deseo que Cesar Hernando logré hacer el traspaso de Botika, Bituka.

-Lamento que los cineastas no tengan integridad cuando VIVA les ofrece hacer otra película de explotación.

-Deseo que más personas puedan ver Bontoc Eulogy.

-Quisiera que el consejero presidencial para el Entretenimiento no considerara las películas que ellos producen, y si los filmes protagonizados por el primogénito de Mikey Arroyo.

-Desearía que el cine de estrellas parara... sólo parara.

-Deseo que exista una biblioteca fílmica donde la gente pudiese ir y leer libros de cine.

-Deseo que la Metro Manila Film Festival (MMFF) no sea dirigida por las mismas personas que instalaron los urinarios públicos (por muy útiles que sean).

-Deseo que la Autoridad de Desarrollo Metropolitano de Manila (MMDA) no clasificara esos círculos y cajas como arte.

-Deseo que todo trabajo de la MMDA no fuera mejor que todo trabajo de la MMFF.

La actriz Brittanny Murphy falleció repentinamente el domingo de una parada cardiorrespiratoria en Los Ángeles. Tenía 32 años y debutó a los nueve en los escenarios, hasta conseguir a los 14 años el papel que le lanzó a la fama, en la serie televisiva 'Blossom'.
Murphy murió en la ambulancia, camino del hospital Cedars-Sinai, tras la llamada de su esposo a los servicios de emergencia desde su casa en Los Ángeles. Al parecer, su madre la encontró a las 8 de la mañana inconsciente bajo la ducha, según TMZ.com, la web que también adelantó la muerte de Michael Jackson.

Su muerte ha causado un gran impacto en Hollywood. "En este momento de gran tristeza, la familia os agradece el amor y el apoyo", declaró la portavoz de la actriz, Nicole Perna, en un escueto comunicado. "Su deseo ahora es que respetéis su privacidad".
El Departamento de Policía de Los Ángeles está investigando las causas de la muerte y trabajan en el caso detectives de robo y homicidios, según ha informado a los medios Norma Eisenman, portavoz de la Policía.

¿Que pasaria si mezclamos los trailers de más de 50 pelis de acción y no tan acción de los últimos años? Esto:



Lo ha realizado un usuario de youtube, y la verdad es que esta mezclado con mucho acierto, si yo fuera de alguna realizadora no dudaria en contratarlo de montador.

Fuente | canal de vadoskincheg

Me han dicho que es genial...

Y yo que creia que Sherlock Holmes era mas intriga y misterio que acción..bueno, habra que verla.

Por cierto, la pregunta es como hara Guy Ritchie para meter aqui los mafisos rusos, la droga y el juego que siempre mete en sus pelis xDD

Pues eso, la primera peli de Emilio Aragón con Aida, el crio del orfanato, el de cuentame, etc.



A ver que tal le sale...

Mario Vargas Llosa (un creador de probado talento, como dice él de Polanski después de atacarlo) ha llegado a comparar el caso Polanski con los desafueros sexuales y abusos de poder de Silvio Berlusconi, asegurando que todos aquellos cineastas e intelectuales que apoyan al director polaco consideran que 'emboscar, emborrachar, drogar y violar a una niña de 13 años, que es lo que hizo Polanski con su víctima, Samantha Geimer, a la que atrajo a la casa deshabitada de Jack Nicholson con el pretexto de fotografiarla, es tolerable si quien comete el desafuero no es un hombrecillo del montón sino un creador de probado talento'.

Sinceramente, no creo que ninguno de los que han manifestado su apoyo a Polanski y han criticado su arresto esté a favor de que ningún violador se libre de cumplir condena, sea un gran artista o no. Ni siquiera creo que sea necesario resaltar el talento artístico de Polanski; más bien al contrario, porque me parece que ese talento no ha servido como coartada para justificar un crimen, como han sugerido algunos, sino para que ésos mismos pudieran despachar a la celebridad más a gusto. Y me parece muy triste, cuando no irritante, que algunos lo piensen y juzguen con tanta facilidad. Los que se llenan la boca con la palabra justicia para descalificar a Polanski y sus defensores, deberían atenerse a los hechos judiciales antes de tildar al cineasta de violador, porque Polanski nunca fue condenado por violación. Se fugó de Estados Unidos el día antes de la celebración del juicio, cierto. Pero no se fugó por miedo a una posible condena por violación, sino por otras razones que habría que conocer bien antes de emitir ciertos juicios sobre él.

La acusación por la que Polanski permanece hoy arrestado y pendiente de sentencia es 'relación sexual ilícita con una menor', un delito dentro de las fronteras del estado de California. En cualquier caso, no creo que nadie en su sano juicio niegue lo que es un hecho evidente: que Polanski cometió un delito, que lo pillaron y que acabó fugandose. Pero entre medias de todo eso, pasó un año sometiéndose a las exigencias de un juez que terminó siendo retirado del caso por mala práctica judicial, un detalle que debería bastar para que muchos de los jueces espontáneos que surgen por todos lados se plantearan revisar el caso.

Hay un documental muy interesante de Marina Zenovich, 'Roman Polanski: se busca', donde se explican pormenorizadamente los detalles del juicio, con entrevistas a algunos de sus protagonistas, como el fiscal del distrito que se encargó del caso, los abogados de Polanski y Samantha Geimer y hasta la propia Samantha Geimer. La directora, Marina Zenovich, acabó haciéndose amiga de Samantha Geimer y no minimiza el delito de Polanski, así que está fuera de toda sospecha. Como ella misma target=_blank>ha declarado, "sólo dos personas saben lo que pasó exactamente, no quieren hablar, y yo en ningún caso quiero disculpar a Polanski. Lo que quise mostrar es lo que pasó más tarde".

Douglas Dalton, abogado de Polanski, afirma en el documental: "Todo el mundo tiene derecho a tener sus opiniones sobre lo ocurrido, pero no a exponer sus propios hechos. El hecho de que Polanski se marchara del país parece eclipsar la parte realmente importante del caso y de lo que ocurrió con el sistema judicial. Sigo estupefacto después de todos estos años". Y Lawrence Silver, abogado defensor de Samantha Geimer, concreta: "Polanski no me da ninguna pena. Lo que hizo a mi clienta estuvo mal y fue horrible, pero tenía derecho a ser tratado justamente en el juicio y no lo fue".

9 de agosto de 1977: Polanski y su abogado, Douglas Dalton, comparecen ante el juez. | Ap

Polanski fue detenido el 11 de marzo de 1977 en Los Ángeles, después de que la madre de Samantha Gailey (luego se cambió el apellido por Geimer) denunciara a la policía que su hija había sido violada por el famoso director de cine Roman Polanski. Las declaraciones del acusado y la víctima sobre los hechos difieren en más de un punto, y el tema es, desde luego, muy delicado. Pero lo cierto es que una vez que Polanski aceptó declararse culpable de 'sexo ilícito con una menor', tanto la víctima como su abogado, así como la fiscalía, se dieron por satisfechos. Para Samantha Geimer, la pena que cumplió Polanski en su día es suficiente, y así lo ha reiterado más de una vez, pero esto no parece interesar a mucha gente. Interesa más continuar con un linchamiento mediático y demagógico que dura ya 32 años y que parece no tener fin, en nombre de una justicia que nunca fue tal.

La familia de Samantha Geimer y su abogado, como atestiguan en el documental citado, estaban fundamentalmente preocupados porque Samantha Geimer no tuviera que subir a un estrado ni someterse a las presiones de la prensa. Pero ahí entraron en colisión con el juez Rittenband. Como se muestra detalladamente en el documental de Zenovich, Rittenband era un juez obsesionado con los medios de comunicación. Le gustaba mucho codearse con famosos, y en sus juicios, dirigía la opinión de la prensa con suma habilidad. Quizá por eso, en cuanto conoció el caso Polanski, pensó que se le presentaba una gran oportunidad.

Para entonces, Polanski era ya uno de los directores más conocidos, admirados y controvertidos de Hollywood. A partir de 'La semilla del diablo', su nombre estuvo y sigue estando indefectiblemente ligado a lo satánico, hasta el punto de que, cuando los cómplices de Charles Manson asesinaron a su mujer Sharon Tate en 1969, algunos medios de comunicación y no pocas personas llegaron a culpabilizarlo de haber participado en la matanza, o de haber sido uno de sus instigadores... Otro de los problemas de Polanski de cara a la prensa ha sido siempre su personalidad irreductible. Muchos no le perdonaron que reconociera que le gustaban las chicas menores de edad, y que después del asesinato de su esposa había frecuentado más de un prostíbulo. "Cada uno lleva su pena de modo distinto. Algunos se van a un monasterio y otros empiezan a ir a casas de putas", declaró en una entrevista.

Al aceptar la declaración de culpabilidad de Polanski, el juez Rittenband ordenó que dos psiquiatras lo examinaran. La sentencia final debía dictarse después de estos informes. Ronald Markman, uno de los dos psiquiatras asignados por el juez Rittenband cuenta a la cámara cómo Rittenband esperaba que él declarara a Polanski 'agresor sexual mentalmente perturbado', lo que le permitiría encerrarlo una buena temporada al representar un peligro para la salud y la seguridad de los demás. Pero lo que determinó el psiquiatra es que Polanski no podía considerarse un agresor sexual mentalmente perturbado. Recomendaba la libertad condicional. El otro informe psiquiátrico era aún más benévolo con el acusado.

Rittenband quería enviar a Polanski a la cárcel de todas formas, pero lamentaba que, con dichos informes psiquiátricos recomendando la libertad condicional, cualquier intento por su parte de meterlo entre rejas sería apelado por el abogado de Polanski. Por eso decidió someter a su acusado a un nuevo régimen de observación psiquiátrica, enviándole a la cárcel estatal de Chino. Se trataba de un estudio de diagnóstico más detallado, y como no era una sentencia final, la defensa no podía apelarlo.

Con su segunda esposa, Sharon Tate, que fue asesinada en 1968. | Afp

Dalton cuenta cómo Roger Gunson, representante de la fiscalía, y el agente de la condicional protestaron. No pensaban que este nuevo examen suplementario fuera necesario y consideraban que los dos informes presentados al tribunal bastaban. Para Gunson, "la ley dice que un estudio de diagnóstico no puede usarse como castigo ni como sentencia". Rittenband no atendió a razones y convenció a Gunson y Dalton para que asistieran a una audiencia pública y representaran una especie de teatro delante de los medios. Gunson debía pedir que Polanski permaneciese bajo custodia hasta la sentencia final, y Dalton debía reclamar la libertad condicional para su cliente, y según relatan ambos, el juez concretó lo siguiente: "después de vuestras peticiones, yo haré mis observaciones y le condenaré a Chino para un nuevo estudio de diagnóstico. No hace falta que la prensa sepa nada más acerca de esto. Si no lo habláis con la prensa y Polanski recibe un informe favorable del departamento de la condicional, cosa que todos sabemos con certeza que recibirá, eso concluirá su castigo."

Gunson y Dalton pensaron que aquello era por lo menos surrealista, pero sabían que estaban en manos del juez y creyeron que seguir su dictado en ese momento sería la forma más rápida de cerrar un caso que nadie, ni la acusación, ni la defensa, ni la fiscalía querían prolongar por más tiempo. Así que entraron en la sala llena de periodistas y espectadores convocados para la ocasión por el juez Rittenband y representaron la pantomima. Según Gunson, "era como estar en un juicio de prácticas en la facultad, donde sabes de antemano lo que va a ocurrir". Pero Rittenband se había reservado su mejor discurso para la ocasión. Dalton asegura que "el juez quería convencer a la prensa y al público de que cuando dicte la sentencia de libertad condicional para Polanski, vean en qué se ha basado para llegar a esa conclusión".

Rittanband había concedido un permiso de tres meses a Polanski para viajar a Europa a trabajar en una película de encargo, y cuando la prensa difundió una fotografía de él en compañía de dos mujeres fumándose un puro durante su visita al Oktoberfest de Múnich (el festival de cerveza más grande del mundo), Rittenband sintió que Polanski le había humillado ante los medios. Una periodista de la prensa rosa cuenta cómo Rittenband le confesó que 'esa foto lo cambia todo' y que ahora tendría que encerrarlo entre rejas. Básicamente, lo que le molestaba es que 'ese puto enano judío', como le gustaba llamar a Polanski según diferentes testimonios, le hubiese puesto en evidencia ante la prensa. Ordenó su regreso inmediato para su ingreso en la cárcel de Chino.

Después de 42 días en la cárcel de Chino, los responsables de la prisión decidieron soltar a Polanski. El nuevo informe psiquiátrico, como los anteriores, recomendaba la libertad condicional para Polanski. Éste se quedó tranquilo. Pensaba que había cumplido todas sus obligaciones con respecto al caso. Se había declarado culpable de sexo ilícito con una menor y había cumplido la condena que se le había impuesto. Pero al juez Rittenband no le pareció que 42 días en prisión fueran suficiente castigo. Se habían publicado muchos artículos contra él, tachándolo de blando y reclamándole una condena ejemplar para Polanski.

Gunson y Dalton cuentan cómo Rittenband volvió a llamarlos a su despacho y les comunicó que 'no iba a honrar la promesa' que les había hecho de liberar a Polanski cuando éste cumpliera el estudio de diagnóstico en Chino. La razón que les dio fue que estaba recibiendo demasiadas críticas por parte de la prensa, y que 42 no eran suficientes días bajo custodia, que Polanski tendría que completar los 48 días restantes hasta cumplir los 90 esperados. Gunson sugirió que lo sentenciara a 48 días bajo custodia y terminara con el caso, pero Rittenband le dijo que no estaba dispuesto a hacer algo así porque la percepción de la condena debía mantenerse ante la prensa. Su plan era hacer creer a la prensa que iba a sentenciar a Polanski por un periodo más largo de tiempo del que iba a sentenciarlo en realidad. Y sólo ellos sabrían la verdad. Le dijo a Dalton que si regresaba al tribunal una vez la prensa se hubiera marchado, volvería a llamar a Polanski y le libraría de la cárcel.

El cineasta, en la edición de 2007 del Festival de Cannes. | Ap

Para Gunson "era obvio que quería deportarle porque no quería que Polanski siguiera por aquí, poniéndolo en evidencia". Y Dalton explica que la pretensión de Rittenband consistía en que "Polanski accediera a renunciar a cualquiera de los derechos que podría tener con una deportación, pero es ilegal imponer ninguna condición a alguien que está cumpliendo condena bajo custodia". Rittenband, además, quería que Gunson y Dalton volvieran a representar una escena ante los medios para luego pactar otra cosa en privado. Pero Dalton, apoyado por Gunson, decidió no seguir más las sugerencias del juez y amenazó con presentar un escrito de recusación contra él, alegando 'parcialidad, prejuicio y otras infracciones del código judicial de California'.

El día antes de la celebración del juicio, Dalton se reunió con Polanski y le explicó que en su opinión, la sentencia que iba a dictarse al día siguiente sería ilegal, que podrían obtener una rebaja tras la apelación pero que iba a ser un proceso largo y que, como acusado, tendría que permanecer en la cárcel durante todo ese tiempo. Le contó las intenciones del juez y su promesa de que si renunciaba a sus derechos como deportado y cumplía 48 días más en prisión, sería liberado. Polanski le preguntó a su abogado si podían confiar en el juez, a lo que Dalton contestó: "No, ya no podemos confiar en él y lo que representa no tiene ningún valor". En ese mismo instante, Polanski tomó la decisión de irse del país.

Dalton, de acuerdo con Gunson, preparó una excepción perentoria demostrando que Rittenband estaba incapacitado para dictar una sentencia justa. Rittenband fue retirado del caso el 2 de febrero de 1978.

Samantha Geimer ha declarado: "Yo era joven, pero alcanzaba a entender que el juez estaba disfrutando de la publicidad. No le importaba lo que me ocurriera a mí, ni lo que ocurriera con Polanski. Era como si fuera el director de un espectáculo en el que yo no quería participar". Geimer perdonó públicamente a Polanski tras solventar un juicio civil con él y recibir una suma económica por daños y perjuicios de 'angustia física y emocional'.

En el año 2003, Samantha declaró a 'Los Angeles Times' que "su abogado, mi abogado y el fiscal del distrito llegaron a un acuerdo de declaración de culpabilidad y el tribunal lo aprobó. Pero, para nuestro asombro, en el último momento el juez se retractó y se negó a cumplir el acuerdo". "No deberían haberle llevado a la situación de tener que escapar. Deberían haberlo condenado a la pena que ya había cumplido, como habíamos acordado. [...] ¿Quién no pensaría en huir enfrentándose a una condena de cincuenta años de un juez que siente más interés por su propia fama que por una sentencia justa? Si Roman Polanski pudiera resolver sus dificultades, yo me alegraría".

En el año 1997, Dalton y Gunson presentaron el caso a otro juez del Tribunal Superior de Los Ángeles. El juez acordó que si Polanski regresaba a EEUU no cumpliría más condena bajo custodia, pero la condición del juez era que los procedimientos fueran televisados. Polanski rechazó ser juzgado en tales circunstancias. "Sólo hay perdedores, Samantha Geimer, Polanski y sus familias. Todo el mundo quiere que el asunto se termine, excepto los medios de comunicación", ha declarado Marina Zenovich.

Muchos de estos datos no parecen tener hueco en la prensa de nuestro país, por eso me ha parecido oportuno dejarlos aquí escritos. Sospecho que seré ingresado en el club de esos corporativistas que, a los ojos de algunos, no hacen más que defender y justificar el crímen de un ser diabólico en nombre del arte cinematográfico, la vileza moral en estado puro. Qué remedio...

La primera película es Metropia:
'Metropia' nos presenta una historia adulta ambientada en la Europa del futuro, en un mundo que se está quedando sin petroleo y en donde todo el viejo continente está conectado a través de una enorme red de metro. El film nos sumerge en la paranoia de Roger, un funcionario gris y aburrido, un trabajador alienado que escucha voces en su cabeza y que está enamorado de una bella mujer a la que sólo conoce a través de los anuncios de televisión que protagoniza, y que un buen día decide escapar al control que el sistema está ejerciendo sobre él.


Thirst
Seguramente se tendrá que ver subtitulada por que por ahora no tiene distribuidora en España


The Book of Eli
Ambientada en un futuro post-apocalíptico, su historia se centra en el personaje interpretado por Denzel Washington, el Eli del título, quien es poseedor de un supuesto libro sagrado que podría ser la llave para salvar la humanidad, y que deberá proteger de Gary Oldman y sus hombres, empeñados en arrebatáserlo.


Pesadilla en Elm Street
Ya sabeis de que va



Fantastic Mr. Fox

El escritor construye la perfecta geografía del Apocalipsis. Y lo hace a martillazos. Brutal. Sin retóricas, sin adjetivos. Todo discurre a media voz. Se diría incluso que es la primera novela muda de la historia. Conversaciones intrascendentes, descripciones libres de calificativos. Ni noticia de eso tan enmohecido (y español) que es la emoción metafórica. Lo cursi, vamos. El lector es literalmente invitado a construir él mismo lo que el escritor simplemente deja fuera de campo. Inolvidable el aroma de los cuerpos mutilados. Y en ésas, que llega la película.

La estrategia del director es no inmiscuirse, dejar respirar sobre la pantalla a la letra impresa. Bien. La historia es apenas traicionada y la fotografía del español Javier Aguirresarobe en uno de sus mejores trabajos ayuda a crear una de las sensaciones más poderosas del libro: lo que ocurre es posible, puede suceder mañana mismo. No en balde, en realidad no se trata más que de una historia de amor ("La más difícil de contar con la que me he encontrado nunca", afirma Mortensen).

Sin embargo, la comparación (caso de que sea pertinente) no se soporta. La película, en efecto, reconstruye fiel el argumento que, en palabras del director, "no trata del fin del mundo sino de las cosas que importan: los niños, la comida y el azul del cielo". Correcta, fiel y, quizá, demasiado respetuosa con la novela, 'The road' alterna momentos de una delicadeza que abrasa con lirismos algo pedestres. Bien es cierto que la contenida y brillante interpretación, cerca del monólogo, de Viggo Mortensen acierta a dar con la clave de bóveda. Pero no, hace falta más para alcanzar el negro profundo de la tinta.

Y mientras, seguiremos bailando con la arquitectura, que, en definitiva, es lo que parece hacer Todd Solondz en 'Life during wartime', la segunda película a competición del día.


Él, eso sí, lo tiene más fácil: se limita, cosas de la autoestima, a adaptarse a sí mismo. Tal cual. El 'enfant' más terrible que ha dado Nueva Jersey propone ahora una suerte de relectura, continuación o, simplemente, variación de 'Happinness'. La misma familia, o lo que sea, de entonces, idéntica confusión, diferentes actores. "Me gusta retocar las cosas, verlas desde un nuevo ángulo", dice el director. Es decir, fiel a sí mismo y a su filmografía, se entretiene de nuevo con 'Palíndromos'.

A vueltas con el olvido, el perdón, la pederastia y la vida en la Florida soleada, Solondz vuelve a escarbar en la naturaleza fundamentalmente triste de la comedia. Y cuando decimos vuelve, lo decimos de forma literal. De hecho, no se ha movido. Una fotografía esencial, transparente y brillante (enorme Ed Lachman) ayuda esta vez a los subrayados. Toda la cinta es, por así decirlo, un curioso ejercicio de repetición para desembarazarse de lo accesorio y olvidarse de lo esencial. ¡Cuidado!, ¡qué nos quedamos sin nada! En efecto, ése es el peligro: la nada estructural, el vacío argumental. Y llegados a este punto, el mareo. Bello homenaje a sí mismo. Una belleza que desasosiega, hiere y hace reír. Pero, ¿puede explicar alguien de qué coño nos estamos riendo? Solondz es así. Buen baile.